Als Selma für ein Shooting bei mir war, habe ich es mir nicht nehmen lassen, ein Bauchtanz-Klischee-Flaschengeist-Bild zu machen. Wichtig war mir dabei, dass es dem ersten Bild nicht zu ähnlich ist, sondern dass es eine neue Interpretation des Themas wird. Allerdings ist das etwas, was ich immer unheimlich schwer finde. Wenn ich schon ein bestehendes Bild im Kopf habe und dazu eine neue Idee entwickeln soll, dauert das manchmal ein bisschen.

Aber ich denke, es ist mir geglückt.

Ich habe das Bild dieses Mal viel dunkler gehalten und auch die Farben nicht so stark leuchten lassen. Auch den Übergang zwischen Lampe und Geist habe ich hier anders gelöst. Während ich beim ersten Bild noch mit dem Wischfinger gearbeitet habe, habe ich hier Rauch in mehreren Ebenen verwendet um den Übergang zu gestalten.

So, wer weiss, wann der nächste Flaschengeist zu der Sammlung dazu kommt…

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Wieso eigentlich nicht?

Ich schaue mir auch gerne PSD Dateien und den Aufbau der Ebenen von anderen Künstlern an, da man dadurch immer wieder was lernen kann.

Also habe ich mir gedacht, ich stelle Euch heute die PSD Datei zum Bild mit dem Namen “Pink Girl” zum Runterladen bereit.

Bevor ihr zu viel erwartet, dies ist eine recht einfache Photoshop Datei, aber ich wollte nicht gleich mit den komplexesten PSDs anfangen.

Ich hoffe aber, dass der ein oder andere trotzdem was davon lernen kann.

Der Vorteil einer kompletten PSD Datei gegenüber einem Screenshot des Ebenenaufbaus ist natürlich, dass man alle Einstellung sehen kann:

• Wie werden die Ebenen verrechnet?
• Mit welcher Deckkraft?
• Wie sind die Einstellungen der Filter?
• …

Allerdings bedeutet es nicht, dass wenn die Einstellungen bei diesem Bild funktionieren, dass sie auch bei einem anderen so sein müssen. Da ist probieren angesagt!

Wenn ihr Fragen dazu habt, könnt ihr sie natürlich gerne in den Kommentaren stellen.

Die Datei ist ca. 50 MB gross und mit einem Klick auf das Bild könnt ihr sie runterladen.

Was haltet ihr davon? Bringt Euch die PSD Datei was? Wenn ja, könnte ich mir vorstellen, das öfters zu machen…

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Der Vorteil, den das hat, dürfte klar auf der Hand legen: Ich kann die Bilder auf meinem grossen Monitor viel besser beurteilen als und dem kleinen Display der Kamera. Ausserdem sieht mein Model die Bilder so auch gleich und kann so selber die Pose korrigieren bzw. sieht wie sie wirkt.

Meine Anleitung funktioniert mit Lightroom und dem Canon EOS Utility. Ich denke aber, dass es auch auf andere Kameras mit ähnlicher Software übertragen werden kann.

Wenn ich meine Kamera per USB mit dem Rechner verbinde, öffnet sich bei mir automatisch das Canon EOS Utility. Wenn das bei Euch nicht so eingestellt ist, müsst ihr es von Hand starten.

Hier geht ihr auf den Button Preferences und bekommt dann folgendes Fenster.

Den Basic Settings Reiter habe ich schon übersprungen, wichtig für uns ist nämlich der Destination Folder. Hier wählt man einen beliebigen Ordner auf der Platte, den man vorher angelegt hat. Wichtig ist, dass der Ordner leer sein muss!

Unter dem Reiter Remote Shootings kann man noch wählen, ob die Bilder zusätzlich auf der Speicherkarte gespeichert werden sollen.

Die Einstellungen mit OK bestätigen und Lightroom starten.

Im Menu wählen wir hier File – Auto Import – Auto Import Settings.

Bei Watched Folder wählen wir jetzt den Ordner, den wir vorher im EOS Utility eingestellt haben. Die anderen Einstellungen könnt ihr nach Eurem Geschmack und Vorlieben setzen.

Sobald ihr den Dialog mit OK bestätigt habt, seid ihr eigentlich schon fertig.

Ihr solltet nur noch überprüfen, ob in Lightroom im Menu unter File – Auto Import – Enable Auto Import angehackt ist, wenn nicht, dann holt ihr das jetzt nach.

So, das wars schon. Sobald ihr jetzt auf den Auslöser druckt, wird das geschossene Bild direkt auf den Computer geladen und in Lightroom importiert.

War doch gar nicht so schwer, oder?

Noch ein kleiner Tipp am Schluss, wenn es irgendwann auf einmal nicht mehr funktioniert und vielleicht ein neues Jahr angefangen hat, müsst ihr in Lightroom den Watched Folder anpassen

Eine kleine Ergänzung: Lightroom 3, das seit wenigen Tagen neu draussen ist, kann scheinbar auch direkt Tethered Shooting ohne den Weg über das EOS Utility. Ich habs allerdings noch nicht getestet, da ich noch nicht auf die neue Version umgestiegen bin.

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Die Idee ist folgende: Meine junge Vampirlady – oder vielmehr ein Teil des Kleides – löst sich auf und wird zu vielen Fledermäusen, die in alle Richtungen wegfliegen.

Das Ausgangbild haben wir im Studio vor neutral-grauem Hintergrund (wen wundert’s?) gemacht. Für die Ausleuchtung war es wichtig, dass ich wusste, wie das Bild am Ende aussehen sollte. Ich wollte einen grossen Vollmond oben rechts haben, der natürlich Licht auf unser Model wirft. Also war ein Blitz hinten rechts positioniert und relativ stark eingestellt. Von der anderen Seite sollte eine warme Lichtquelle auf die Vampirin scheinen. Im Studio wurde diese Aufgabe von einem Beauty Dish übernommen.

So sieht das ganze dann nach einer Grundbearbeitung in Lightroom und leichtem Verflüssigen in Photoshop aus. Beim Verflüssigen habe ich vor allem die Augen etwas weiter auf gemacht.

Als nächster Schritt kommt der Hintergrund dran. Ein schöner Vollmond, eine alte Laterne, irgendeine Mauer und ein bisschen Gestrüpp. Diese Teile habe ich alle übereinander gelegt und mit verschiedenen Ebenenmodi verrechnet. Helle Bestandteile wie der Mond lassen sich dabei mit dem Modus Screen oder Lighten recht gut einbinden.

Die Maske für das Model habe ich dieses mal übrigens zum grossen Teil mit dem Magnetic Lasso Tool gemacht. Damit das gut geht, habe ich über eine Einstellungsebene vom Type Curves die Kontraste so verstärkt, dass das Tool gut arbeiten kann. Die Einstellungsebene konnte ich nach der Maskierung wieder löschen.

Anschliessend war die Lichtstimmung daran: Der Mond sollte schön von hinten scheinen und die Lampe von der Seite. Hierfür benutze ich gerne Einstellungsebenen von Type Solid Color im Modus Soft Light.

Über eine Maske habe ich alle Stellen ausgeblendet, die nicht von der Farbveränderung betroffen sein sollten.

Jetzt kommt auch schon der nächste Bildbestandteil, die Fledermäuse. In einem früheren Artikel habe ich ja schon einmal über den Explosionseffekt geschrieben und genau so habe ich hier gearbeitet.

Abschliessend habe ich die Licht- und Farbstimmung des Bildes noch mal ein bisschen überarbeitet.

Hier kamen wieder die Volltoneinstellungsebenen im Modus Weiches Licht sowie eine Schwarz/Weiss Einstellungsebene mit reduzierter Deckkraft zum Einsatz.

Wer genau hinsieht wird auch merken, dass sich der Hautton und das Makeup des Models mehr in Richtung Vampir verändert haben. Auch wenn ich sonst rote Augen lieber vermeide, fand ich sie hier recht passend. Für die Anpassung von Makeup oder Augenfarbe verwende ich gerne Einstellungsebenen vom Typ Farbton/Sättigung.

Jetzt ist das Bild im Prinzip schon fertig, das einzige was mir noch fehlt ist ein bisschen Kontrast und ein malerischer Look. Hier kommen Techniken wie Dodge & Burn, selektives Schärfen und Hochpass Schärfen zum Einsatz.

Um was es jetzt bei der Vampire Story genau geht und wie die Geschichte ausgeht, dürft ihr Euch selbst überlegen…

Ach ja, die Planung für dieses Bild sah übrigens so aus:

Dass das Querformat besser wirkt, hat sich erst während dem Shooting rausgestellt.

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Wenn man mit Ebenenmodi wie z. B. weiches Licht oder in meinem Fall negativ multiplizieren arbeiten möchte, kopiert man meisten eine vorhandene Ebene (Strg-J) um dann den Modus einstellen zu können. Funktioniert auch problemlos.

Man kann aber auch eine Einstellungsebene wie beispielsweise Helligkeit & Kontrast erstellen, nichts daran ändern und dann den Ebenenmodus für diese Einstellungsebene setzen.

Das Ergebnis ist genau das gleiche und ihr werdet Euch jetzt fragen, warum man das machen sollte. Ganz einfach, schaut mal auf den Speicherverbrauch unten links.

118,8 MB bei der Ebenenkopie und 63,5 MB bei der Variante mit der Einstellungsebene. Gerade wenn man diese Technik öfters in einem Bild anwendet, kann man so einiges an wertvollem Arbeitsspeicher sparen. Die Dateigrösse auf der Festplatte war bei mir zwar auch um ca. 1/3 kleiner, das ist auch noch ein netter Nebeneffekt, aber für mich jetzt nicht so entscheidend.

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Heute möchte ich Euch die Karte Nummer 17 Der Stern vorstellen.

In der Einführung habe ich erwähnt, dass die Bilder in Richtung Teilakt und verdeckter Teilakt gehen werden, weil ich damit recht geschickt das Problem von aufwendigen Kostümen umgehen kann.

Jetzt ist es aber auch nicht immer einfach, eine Pose zu finden, die einerseits alles verdeckt und andererseits zu der Karte passt. Für die Stern Karte wollte ich, dass die Sterne aus der Hand meines Models herunterfallen. Also habe ich mir dies zu Nutze gemacht, um mit den herunterfallenden Sternen ein bisschen was zu verdecken.

Noch ein paar Worte zur Bildbearbeitung und auch hier zu den Sternen: Diese sind mit unterschiedlichen Pinselspitzen gemalt, wobei die Parameter so eingestellt sind, dass es eine gewisse Streuung gibt.

Um die Sterne besser steuern zu können, habe ich sie auf verschiedenen Ebenen gemalt, so dass ich über die Ebenentransparenz recht einfach ein paar weniger scheinend machen konnte. Ausserdem konnte ich so über die Ebenenmaske die Sterne gezielt da wieder ausblenden, wo sie nicht sein sollten.

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Was allerdings passiert, wenn man es mit dem Styling übertreibt, seht ihr in dem Bild unten.  Nachdem ich im Podcast von Calvin Hollywood gesehen habe, wie einfach es in Photoshop ist, die Entstehung eines Bildes als Animation zu zeigen, habe ich das hier gleich einmal ausprobiert.

Jetzt noch ein paar Worte zur Entstehung des Bildes: Ich wollte schon seit langer Zeit ein Bild mit diesem Explosionseffekt machen, aber mir fehlte die Idee, wie ich den (einigermassen) sinnvoll in ein Bild einbauen konnte. Während Moviko und ich dabei waren, die Einzelheiten des Shooting auszumachen, bekam ich die Idee mit dem Fön, was ja bei ihr als Visa super passt. Und so war die Idee zu dem Bild geboren.

Beim Shooting mussten wir einige viele Bilder machen, bis wir welche hatten, die geeignet waren. Es ist eben nicht einfach, sich einen Fön, der auf volle Power läuft in das Gesicht blasen zu lassen und dabei trotzdem die Augen offen zu lassen. Das Ausgangsbild von meinem Model hier ist auch aus zwei Bildern zusammengesetzt, weil mir bei einem die Haare so gut gefallen haben und beim anderen der Gesichtsausdruck… Photoshop machts möglich!

Bestimmt interessiert Euch noch, wie der Explosions-Effekt gemacht ist, oder? Im Prinzip ist es “nur” ein malen mit Pinselspitzen. Ich habe hier eine Pinselspitze in Blattform genommen und die Parameter dafür so eingestellt, dass möglichst viele Variationen beim Malen entstehen.

Beim Malen der Teile malt man dann auf einer Ebene die Teile, die wegfliegen und auf einer Maske malt man den Kopf des Models weg, da er sich ja auflöst. Dabei muss man einfach ein bisschen rumprobieren und auch immer wieder die Grösse des Pinsels ändern.

Damit die Farben der wegfliegenden Teile passen, habe ich eine grobe Auswahl des Kopfes und der Haare gemacht, diese auf eine neue Ebene kopiert und dann so verzerrt, dass diese neue Ebene alle fliegenden Teile überdeckt. Anschliessend noch den Ebenenmodus auf Farbe oder weiches Licht ändern (einfach ausprobieren, was am besten aussieht)  und schon ist man seinem Ziel ein gutes Stückchen näher.

Ansonsten habe ich die Farben noch ein bisschen verstärkt und ein paar Details mit Dodge and Burn herausgearbeitet.

Also denkt das nächste Mal daran: Zu viel Fönen kann gefährlich sein!

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Da ich es interessant finde, die Aussage “Deshalb liebe ich Photoshop!” zu hinterlegen, mache ich da glatt mit.  Weshalb liebe ich also Photoshop? Eigentlich ganz einfach: Viele meiner Bilder wären ohne Photoshop nicht möglich!

Wenn ich ein Model vor einem bestimmten Hintergrund haben möchte, der real nicht verfügbar ist, montiere ich ihn in Photoshop in das Bild.

Wenn ich irgendwelche Kreaturen brauche, die nur schwer zu fotografieren sind, zaubere ich mir diese Drachen und Ungeheuer am Computer ins Bild.

Wenn ich ein Fantasiewesen wie einen Neoangel oder einen Cyberangel im Bild möchte, ist das mit Photoshop kein Problem.

Wenn das Hautbild einer Person mal nicht so perfekt ist, greife ich ihn den virtuellen Schminkkoffer von Photoshop.

Wenn die Lichtstimmung nicht ideal war, knipse ich in Photoshop zusätzliche Lichter an, oder mache sie aus.

Wenn ich eine Idee habe, die nur schwer fotografisch umzusetzen ist, ist Photoshop oft die Lösung dafür.

Das sind doch eigentlich genug Gründe, oder?

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Es geht darum, möglichst schnell zu sehen, wie sich das Bild durch die Bearbeitung geändert hat. Dafür hält man die ALT-Taste und klickt gleichzeitig auf das Augensymbol in der Ebenenpalette. Damit blendet man alle Ebenen ausser dieser einen aus.

Das wars auch schon… kurz aber sehr nützlich.

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Oft gibt es einen Punkt in der Bildbearbeitung, an dem man alle bisherigen Ebenen auf einer Ebene kombiniert braucht, um zum Beispiel einen Filter darauf anwenden zu können. Man könnte natürlich das komplette Bild auf die Hintergrundebene reduzieren (Layer-Flatten Image), aber das ist im Sinne einer nicht-destruktiven Bildbearbeitung das schlechteste, was man manchen kann, da man anschliessend keine Möglichkeit mehr hat, Änderungen an z.B. Einstellungsebnen zu machen.

Eleganter ist es da mit CTRL-ALT-SHIFT-E alle Ebenen zu einer neuen zusammenzufassen. Damit bleiben nämlich alle bisher erstellten Ebenen erhalten.

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