Martin hat auf seinem Blog visuellegedanken.de eine Blogparade gestartet, in der er nach dem besten Bild des Jahres 2010 fragt.

Darauf eine Antwort zu geben ist natürlich nicht gerade einfach. Auch wenn ich in 2010 relativ wenig fotografiert habe, weil mir die Zeit dazu fehlte, gibt es doch einige Bilder, die mir persönlich sehr gut gefallen.

Ich habe mein Zentauren Bild ausgewählt – auch wenn mir die Wahl sehr schwer gefallen ist.

Vor allem in einem Shooting mit Model La Candy sind viele Bilder entstanden, die mir sehr gut gefallen. Aber es wurde ja nach einem Bild gefragt…

Warum also dieses hier?

Ich finde, dass mir das Composing hier sehr gut gelungen ist und das Bild ist insgesamt so geworden, wie ich es haben wollte. Mir gefällt die Tiefe mit dem Meer und den Bergen am anderen Ufer.

Ausserdem lädt das Bild zum Nachdenken ein: Kommt unsere Zentaurin durch das Portal in ein neues Land, oder bewacht sie vielleicht ein Portal zu ihrer Welt?

Ob es mein bestes Bild ist, weiss ich nicht, aber es ist auf jeden Fall eines der besten des Jahres 2010.

Dieser Artikel ist vor einiger Zeit schon als Gastartikel auf dem Blog von fotokasten.de erschienen. Da ich im Moment durch meinen Umzug nicht dazu komme, neue Artikel zu schreiben und weil ihn vermutlich nicht alle meine Leser schon kennen, veröffentliche ich ihn hier nochmal

Wer sich ein bisschen mehr mit der Bearbeitung von Bildern befasst, wird wahrscheinlich früher oder später auf den Begriff der “nicht-destruktiven Bildbearbeitung” stoßen. Was es damit auf sich hat und wie es funktioniert, werde ich in diesem Artikel beschreiben.

“Nicht-destruktive Bildbearbeitung” – was ist das eigentlich?

Das Originalbild bleibt während der kompletten Bearbeitung unangetastet, so dass man jederzeit wieder darauf zurückgreifen kann. Für die Bearbeitung in Photoshop – und das gilt für alle Bildbearbeitungsprogramme, die mit Ebenen arbeiten – bedeutet dies, dass die Hintergrundebene, die das Ausgangsbild enthält, nicht verändert wird.

Alle Änderungen werden entweder auf Kopien dieser Ebene oder noch besser mit Einstellungsebenen und Smartfiltern gemacht. Das hat den großen Vorteil, dass man auch auf weit unten liegenden Einstellungsebenen am Ende noch Änderungen vornehmen kann, die sich sofort im Bild bemerkbar machen.

Zusammengefasste Ansicht, aber nicht “eingefroren”

Das Ganze möchte ich anhand der Ebenen eines meiner Bilder verdeutlichen. Die Entstehung des Fotos habe ich in einem früheren Artikel schon besprochen, aber diesmal geht es mir um etwas anderes:

Die Ebene mit dem Namen “Layer 12″ ist die erste Ebene, bei der ich nicht mehr komplett “nicht-destruktiv” arbeiten konnte, weil ich da bereits alle Ebenen zu einer neuen zusammengefasst habe.

(Zur Vergrößerung der Ansicht bitte auf Bilder klicken.)

Das Foto sieht zu diesem Zeitpunkt (also vor “Layer 12″) so aus:

Was bedeutet das jetzt genau? Ganz einfach: Ich kann jetzt auf einer der unteren Ebenen, etwa der Gruppe “Retusche”, noch was ändern oder auf der “Color Fill”-Ebene der Gruppe “Licht” eine andere Farbe wählen – und sehe das sofort im Bild.

Natürlich lässt es sich nicht immer vermeiden, dass man irgendwann alle Ebenen zusammenfasst. Wichtig dabei: Dies sollte so spät wie möglich geschehen, und man sollte immer auf einer neuen Ebene zusammenfassen, anstatt das Bild selbst auf eine einzelne zu reduzieren.

Welche Möglichkeiten gibt es, um “nicht-destruktiv” zu arbeiten?

Alle Anpassungen der Farbe oder von Licht und Schatten sollten grundsätzlich über Einstellungsebenen gemacht werden – nie auf dem Bild selbst. Das ist im Prinzip alles, was es zu beachten gilt, man braucht sich sonst keine neuen Funktionen aneignen. Es ist also für wirklich jeden umsetzbar!

Was viele ebenfalls nicht wissen: Beim Stempeln, bei dem man Pixel von einer Stelle an eine andere kopiert, kann man auch auf einer leeren Ebene arbeiten und muss dies nicht auf dem Originalbild tun. Dazu legt man sich einfach eine neue leere Ebene an, wählt das Stempel-Werkzeug und im Pulldown-Menü die Option “Alle Ebenen”:

Dabei nimmt dann der Stempel nicht nur die Pixel der aktuellen Ebene auf, sondern eben auch die aller sichtbaren Ebenen, die darunter liegen.

Bei der Verwendung von Filtern sollte man immer auf die Möglichkeiten der Smartfilter zurückgreifen! Der große Vorteil ist auch hier, dass man die Einstellungen des Filters im Nachhinein noch ändern kann.

Bei meinem Beispiel-Foto habe ich für die letzten zwei Ebenen auch alle bestehenden auf einer neuen zusammengefasst, damit ich den endgültigen Look des Bildes herausarbeiten konnte.

Das fertige Bild sieht so aus:

Ich hoffe, der Artikel hat Euch ein wenig geholfen – wenn Ihr noch Fragen habt, könnt Ihr sie gerne in den Kommentaren stellen!

Steffen fragt auf seinem Blog, was seine Leser inspiriert. Eine schöne Frage, deshalb möchte ich auch einen kurzen Beitrag dazu schreiben.

Es sind eigentlich sehr unterschiedliche Dinge. Zum einen stöbere ich gerne auf Seiten wie deviantART.com, weil man da sehr viele talentierte und kreative Künstler finden kann, die tolle Bilder machen. Manchmal ist es dann auch nur ein Detail in einem Bild, das mich auf eine Idee bringt.

Zeitschriften wie Photographie oder Docma bringen mich zum Teil auch auf Ideen, die ich dann irgendwann mal umsetze (oder es zu minderst versuche).

Ansonsten sind es sehr oft Filme, Computerspiele oder auch Songtexte, bei denen mir Ideen kommen. Ganz wichtig ist auch das Model. Oft kommt es vor, dass während dem Shooting noch eine schöne Idee entsteht, weil sie noch ein bestimmtes Outfit oder Accessoires eingepackt hat.

Bei dem Zentauren Bild war es zum Beispiel so, dass ich die Idee hatte, ein Bild in der Art zu machen und der Mann meines Models Mika dann während dem Shooting noch schnell nach Hause gefahren ist, um den Bogen zu holen. So ergibt sich ein Teil des Bildes erst während dem Shooting.

Die Idee an sich kam mir hier durch Fantasy Rollenspiele am Computer und Filme aus diesem Genre.

Auch die Lokation, an der ich beim Fotografieren bin, kann Inspiration für ein Bild sein. So bei dem Bild von Model Dunkler Engel. Dass zu dem Zeitpunkt so viele Blüten am Boden liegen, hatten wir nicht geplant, aber es schafft irgendwie einen schönen Gegensatz zum dunklen Outfit des Models.

Die Bilder anderer Künstler sind meiner Meinung nach auch eine gute Quelle der Inspiration. In diesem Fall ist das Bild mit Model Cyana stark von Luis Royo beeinflusst.

Die Quellen meiner Inspiration also recht unterschiedlich. Das wichtigste ist meiner Meinung nach, die Augen offen zu halten, dann kommen die Ideen praktisch von alleine.

Mein letzter Artikel zum Thema “Realistische Schatten bei Composings” ist als Gastbeitrag bei kwerfeldein.de erschienen.

Ich beschreibe darin, auf was man achten muss, wenn man bei Bildern später einen anderen Hintergrund einfügen möchte und wie man besten dabei vorgeht.

Ich wünsche Euch viel Spass bei Lesen!

Von meinem Shooting mit La Candy habe ich vor einiger Zeit schon berichtet. Heute werde ich Euch noch ein Bild aus dem Shooting vorstellen und erklären, wie es entstanden ist.

Als ich gesehen habe, dass mein Model auch einen schwarzen Latex Catsuit als Outfit dabei hatte, wusste ich, dass ich mal wieder ein Bild im Matrix-Style machen sollte.

Ausgangsbild war folgendes:

Als erstes habe ich mich an die Bearbeitung der Haut gemacht, auch wenn man in diesem Bild eigentlich nicht wirklich viel davon sieht.

Die verwendete Technik für die Beautyretusche habe ich früher hier schon einmal beschrieben.

Im nächsten Schritt habe ich Augen und Mund genauer bearbeitet. Die Augen sollten leuchtender und farbiger sein und die Lippen ein bisschen betont werden. Die Augenfarbe und das Augenweiss habe ich dieses Mal einfach mit einem weichen Pinsel und der gewünschten Farbe nachgemalt. Dabei ist es wichtig, den Fluss herunterzusetzen (ca.10-20%), weil es sonst auch mit einem druckempfindlichen Stift recht schwer ist, das ganze vernünftig hinzubekommen.

Jetzt wird es Zeit, einen neuen Hintergrund einzufügen. Das Maskieren des Models habe ich hier zum Teil mit dem magnetischen Lasso gemacht, da sich der Catsuit sehr gut vom grauen Hintergrund unterscheidet und das Werkzeug damit recht gut funktioniert.

Damit kommen wir dem Matrix Bild schon näher, allerdings sieht das Model noch sehr reingesetzt aus. Um das zu ändern, passe ich die Licht- und Farbstimmung an. Zum Anpassen der Lichtstimmung verwende ich gerne neutral graue Ebenen, auf denen ich dann mit weiss und schwarz Lichter und Schatten male. Die Technik ist die gleich wie bei meinem ersten Dodge & Burn Tutorial. Auch ein Wolken- oder Fasernfilter kann auf einer neutralgrauen Ebene, die im Modus weiches Licht verrechnet wird, zu interessanten Effekten führen. Da heisst es einfach ein bisschen rumprobieren.

Das Model ist jetzt schon deutlich besser in die ganze Szene eingebunden. Als kleines Detail habe ich den Hintergrund sich noch auf der Brille spiegeln lassen. Dazu habe ich einen Teil des Hintergrunds kopiert und mit dem (Frei-)Transformieren Werkzeug angepasst, so dass die Form der Brille berücksichtigt wird.

Bis zu diesem Zeitpunkt ist das Bild völlig nicht-destruktiv bearbeitet. Ich kann jederzeit in einer der unteren Ebenen noch etwas ändern und die Auswirkung ist sofort im Bild zu sehen.

Für den letzten Schliff brauche ich jetzt aber doch zusammengefasste Kopien aller Ebenen.

In den letzten Schritten habe ich den Kontrast nochmal verstärkt und das Bild etwas geschärft.

Das wars auch schon. Ich hoffe, der Artikel hat Euch gefallen! Fragen oder Anmerkungen könnt ihr wie immer gerne in den Kommentaren stellen.

Es ist schon eine ganze Weile her, seit ich einen Artikel über mein Bild eines Flaschengeistes geschrieben habe.  Heute ist es wieder soweit, natürlich nicht über das gleiche Bild, sondern über ein neues.

Als Selma für ein Shooting bei mir war, habe ich es mir nicht nehmen lassen, ein Bauchtanz-Klischee-Flaschengeist-Bild zu machen. Wichtig war mir dabei, dass es dem ersten Bild nicht zu ähnlich ist, sondern dass es eine neue Interpretation des Themas wird. Allerdings ist das etwas, was ich immer unheimlich schwer finde. Wenn ich schon ein bestehendes Bild im Kopf habe und dazu eine neue Idee entwickeln soll, dauert das manchmal ein bisschen.

Aber ich denke, es ist mir geglückt.

Ich habe das Bild dieses Mal viel dunkler gehalten und auch die Farben nicht so stark leuchten lassen. Auch den Übergang zwischen Lampe und Geist habe ich hier anders gelöst. Während ich beim ersten Bild noch mit dem Wischfinger gearbeitet habe, habe ich hier Rauch in mehreren Ebenen verwendet um den Übergang zu gestalten.

So, wer weiss, wann der nächste Flaschengeist zu der Sammlung dazu kommt…